Lili, la Freudreuse

Au festival d'Avignon, dans la programmation du OFF, est proposé un spectacle de claquettes intitulé "Clap". Quand je suis sortie du spectacle le Dindon, j'ai vu un panneau présentant ce spectacle. J'ai pris un prospectus. Quelques jours plus tard, j'ai vu une démonstration dans la rue des claquettes avec trois des six danseurs. J'ai fini par me décider à aller voir le spectacle.

Je suis une grande amatrice des comédies musicales telles que "Chantons sous la la pluie!" même si mes connaissances sont très limitées sur le sujet. J'étais pleine d'espoir pour retrouver ce que j'aimais dans ces films. Et je n'ai pas été déçue. 

Ils n'ont pas juste donné un numéro de claquettes. Ils ont proposé une histoire avec des personnages et intégré les claquettes dans un ensemble. Six personnages viennent pour passer une audition, six personnages très caractéristiques. Les claquettes sont de la danse mais aussi de la bande sonore. C'est très ingénieux. Les six danseurs étaient très talentueux. Ils ont fait des clins d'oeil au cinéma muet et aux grands noms des claquettes. Ils ont été impressionnants dans la maîtrise de leur art. J'ai toutefois trouvé cela un peu long. Et pourtant le numéro final m'a tellement impressionné que je suis sortie de la salle très très enthousiaste. Ils ont un numéro très au point pour faire un bis et un ter et profiter encore et encore des applaudissements. C'était un final très sympa J'en avais mal aux mains tellement j'avais applaudi. Leur clin d'oeil au cinéma et à tous les aspects de l'art vivant (audition, écriture du scénario, contact avec les producteurs, répétitions...) rendent le spectacle complet et riche.

Clap 

Du 7 au 28 juillet 2012 à 12h15

Au Collège de la Salle

La pièce est issue d'un roman russe du même titre écrite par Bougakov et mise en scène par Simon McBurney, l'artiste associé au festival IN pour l'édition 2012. 

La pièce de théâtre dure 3h20, dans la nuit noire d'Avignon, sous le Mistral. Nous étions très bien placées avec ma mère, collées l'une à l'autre sous une couverture polaire.

Le spectacle entremêle trois histoires : l'histoire d'un poète Ivan qui rencontre dans les rues de Moscou le professeur Woland. Le professeur est intrigué d'entendre Ivan débattre de la véracité de l'existence de Jesus avec Berlioz, chef de la scène littéraire bureaucrate. Le professeur Woland va introduire une autre histoire celle de la rencontre entre Ponce Pilate et Jesus. Woland explique qu'il a été présent et qu'il peut tout raconter. La troisième histoire est celle du Maître et Marguerite. C'est une histoire d'amour entre une bourgeoise russe et un écrivain. C'est elle qui le surnomme "le maître". Son histoire est le récit de Ponce Pilate narré par Woland dans les scènes précédentes. Quand Woland rencontre des humains, ils finissent en général en asile psychiatrique. C'est dans cet endroit que Le Maître rencontre le poète Ivan. Le Maître va raconter à Ivan son histoire d'amour avec Marguerite.

La mise en scène de Simon McBurney s'inscrit dans l'espace de la cour d'honneur du Palais des Papes. Il a de ce fait réduit le décor à seize chaises et une petite cabine mouvante. Les décors sont faits par les lumières et des projections vidéos sur les murs de la cour. Pour changer de lieu, une carte mouvante de l'ancien Moscou nous emporte dans l'asile par exemple. Sur le mur latéral, on peut apercevoir des collines de Jérusalem quand le récit nous transporte au temps de Jésus et Ponce Pilate. 

Pendant tout le spectacle il y a une réflexion sur la lâcheté.

Certains spectateurs n'ont pas apprécié la présence de la vidéo. J'avoue que pour ma part, j'ai été bluffée. Je n'ai pas trouvé la vidéo envahissante, mais juste décorative ou parfois illusionniste. Elle ajoute de la science fiction à un récit qui n'était pas fait pour le théâtre. L'écriture romanesque n'a pas les limites imposées par l'écriture théâtrale et Simon McBurney oublie toutes ces limites en introduisant la vidéo dans sa mise en scène. En plus il s'appuie sur des comédiens d'une grande qualité de jeu.

Le spectacle est très rythmé, pas si facile à suivre avec la traduction sur les côtés. Mais il va marquer les esprits par sa modernité. Un grand spectacle par la qualité de jeu, par la mise en scène, par l'utilisation du lieu et par l'adaptation du texte à la scène.

Spectacle du festival IN 2012, chorégraphie de Sidi Larbi Cherkaoui.

Le spectacle est donné dans la carrière Boulbon. C'est à 15 km de la ville d'Avignon dans un lieu assez reculé où des gradins sont installés. Derrière la scène installée, nous voyons un demi-cercle de mur de pierres. Le décor du spectacle est fait de panneaux simulants des murs, des fausses pierres et des vraies pierres. 

Le spectacle commence avec une vidéo, montrant des salles de musée vides. Puis les danseurs entrent sur scène et rentrent en contact avec le décor, avec la pierre. D'ailleurs, on se demande pourquoi le spectacle ne s'appelle pas "tout autour de la pierre" ou un titre dans le genre.

Le spectacle mêle de jolis tableaux avec des moments un peu vides. A chaque changement de décors, un danseur fait un solo pour faire patienter les spectateurs. La thématique du puzzle représente la vie de façon un peu basique : on se cogne au mur, on se lie et se délie les uns aux autres. C'est un spectacle joli, on se souviendra des tableaux où la chorégraphie prend la troupe dans son ensemble.

Le décor amovible donne un peu l'impression que les danseurs  sont des grands enfants qui jouent au cube. ils montent et démontent régulièrement, font mumuse avec les panneaux et les cubes. Cela m'a rappelé mon neveu de 3 ans. Cela n'apporte rien, ni au spectacle, ni à la chorégraphie, ni au sens de la pièce.

Parmi mes connaissances, de nombreuses personnes ont vu le spectacle, avec toutes des avis assez opposés. Certaines ont été touchées, ont apprécié comprendre le sens de la chorégraphie. D'autres n'ont pas aimé le manque d'innovation, la faiblesse de la recherche chorégraphique par rapport aux autres créations de Cherkaoui. J'avoue ne pas connaître le chorégraphe. Je l'ai découvert avec cette oeuvre et je n'ai pas été emballé. Cela ne m'a pas touché, cependant j'ai apprécié des tableaux, des beaux moments de danse. 

Le samedi 18 février, au théâtre du Balcon, rue Guillaume Puy, il y a eu une représentation dans le cadre de ce mois sur l'émigration italienne. Cette représentation s'intitulait "Italiens, quand les émigrés c'étaient nous !" Le spectacle est très riche. Il y avait deux narrateurs : un homme et une femme, dix-sept chanteurs, un chef d'orchestre et cinq musiciens. Pas de décors, mais des costumes et au fond, des images et des vidéos illustrant l'émigration italienne et illustrant les textes. J'avoue que je ne connaissais aucune des chansons ni aucune des histoires présentées dans le spectacle. Cela a été d'autant plus enrichissant. En discutant avec l'amie qui m'avait accompagnée, j'apprends beaucoup. Elle a fait des études d'anthropologie et notamment sur l'Italie du Sud. Elle est très intéressante. Elle a trouvé le spectacle aussi intéresant que moi.

L'émigration italienne nous raconte en fait l'histoire de l'émigration dans le contexte de la Révolution industrielle. Et fait un parallèle avec l'émigration actuelle. C'est la misère qui pousse à l'émigration. Les émigrants cherchent à trouver un emploi et un meilleur niveau de vie. Les images nous montraient des familles entassées dans des pièces minuscules aux Etats-Unis et les différents petits boulots acceptés pour pouvoir survivre. Le texte illustre le rejet des immigrés, vus comme des voleurs d'emplois et comme des anarchistes violents. Entendre parler de ces histoires qui se sont déroulés entre 1870 et 1960 fait réfléchir à la situation actuelle. Il y a toujours un étranger montré du doigt. En France, il y a eu les Italiens, puis les Espagnols, les Portugais et récemment les Africains. Dans les vignes, mon grand-père a vu cette évolution. Il a travaillé pendant longtemps avec des Espagnols, mais pendant ces dernières années avant la retraite, les Espagnols ont été remplacé par des travailleurs maghrébins. En tout cas, cela n'a pas changé la bonne ambiance pendant les vendanges. 

Je trouve toujours intéressant que les petites histoires enichissent et illustrent la grande Histoire. Ce spectacle mêle narration et musique en abordant un thème poltique et actuelle. Il a eu du succès, la salle était pleine et les applaudissements étaient riches. Pour tous ceux que cela intéresse, jusqu'au 2 mars 2012, est proposée une exposition à la bibliothèque de l'Université d'Avignon sur l'émigration italienne.

Boris Charmatz est l'artiste associé de la 65ème édition du Festival d'Avignon. Il présente au tout du début du festival In son oeuvre intitulé "Enfants". A la différence de la pièce d'Angelica Liddell, j'ai lu et vu de nombreux reportages et interviews de l'artiste avant d'aller voir le spectacle

Là encore on peut parler de performance, car cela ne ressemble à rien. J'ai rien ressenti à part de l'ennui. Certains disent que je me suis blindée, car eux, sont sortis énervés. Enervés par ce qu'ils ont vu, et ressenti. J'ai entendu les mots de "Honte", "gêne" et "haine". Si il veut provoquer, Charmatz a réussi.

On regarde pendant de longues minutes au début du spectacle une grue bouger dans un sens puis dans l'autre. Et l'instar de cette grue, je pense que les corps des adultes et des enfants ont bougé dans tous les sens sans y mettre du sens. Le sens pouvait à la limite être mis dans les contacts des corps entre eux et avec les éléments. Mais faut vraiment faire un effort pour y voir un quelconque sens. Par contre, on se sent gêné par les enfants, par leur mouvement, par le choix de cette mise en scène. J'ai même pensé à la fin qu'ils faisaient des mouvements mais pas vraiment de la danse...

Pendant la représentation, des gens sont sortis. Ce que j'aurais volontiers fait d'ailleurs... A la fin, des gens debout applaudissaient tout rompre. Enthousiasmé. Sans que je comprenne pourquoi. Je n'ai pas applaudi, j'ai juste essayé de partir le plus vite possible. Un spectacle sans intérêt.